中国当代艺术被狂炒 某些"当代艺术"是恶搞
[table=98%][tr][td]当下某些绘画作品的画面中充斥呆滞、媚俗、色情、变态、暴力或血腥，并且被冠以“中国当代艺术”的名义，被人狂炒。一些收藏者开始疑惑了，怀疑起自己的审美取向和艺术理解能力。在被忽悠了一段时期后，更多的人清醒：这是一场对艺术进行恶搞的游戏。
[color=blue][b]“丑恶”和“媚俗”已成为某些中国当代绘画的时尚和潮流[/b][/color]
某些中国当代油画作品中的丑态图像表现为：形态丑陋或呆板、色彩媚艳或苍白、趣味怪异或庸俗，以及运用图式化的政治符号。这些作品采用丑化人物、反讽政治的方式来不适当地表现中国的社会与文化。这样的作品根本不能真正反映中国的社会文化现实状况，也没有任何文化方面的反思意义，而只呈现出一种模式化、片面化、庸俗化的艺术形态，是一种文化无知和思想浅薄的表现。“丑恶”和“媚俗”已成为某些中国当代绘画的时尚和潮流，并假扮成一种前卫的姿态，影响着中国当代绘画的主流审美思潮，以所谓“当代”的名义对艺术进行着恶搞。
五分之四以上的“中国当代艺术”作品在海外藏家手中 有数据统计，目前五分之四以上的“中国当代艺术”作品是被海外少数收藏者所购买的，他们成为拥有大量“中国当代艺术品”的大庄家。海外投机者拉动这些作品的价格，使这些作品在短时期内升值巨大，并将他们的价值标准强加给国内的收藏者。国内的资本不得不被动跟随成为跟风者，最后，真正获益的是少数海外投机者。由于这一收藏链条中，缺少真正终端的专业藏家参与，所以，被恶搞了的“中国当代艺术”根本就没有真形成国际艺术收藏的板块。
[b][color=blue]前苏联也曾经出现过所谓的当代艺术热现象[/color][/b]
早在二十多年前国内“85美术新潮”时期，海外某些所谓的艺术品投资者(或叫投机者)已经在一些受西方文化影响较深的东南亚和港台地区，设下了一个文化价值观的圈套。那些被市场所吹捧的“当代艺术”，在相当程度上折射出西方的价值观念，之后也在中国当代艺术界产生了一定的“战略效应”。 现在中国“当代艺术”的这些所谓的现象，过去曾经在前苏联和东欧等地区出现过。上世纪80年代末90年代初，当时的前苏联也曾经涌现出一批所谓的“前卫艺术家”，并被西方媒体大肆炒作，他们的作品价格被某些西方炒家一手操纵，一路飙升。然而好景不长，如今，这些“前卫艺术”作品身价早已一落千丈，无人问津，那些原来被西方捧红了的前苏联艺术家也没人理了。
文章来源：《文汇报》
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[[i] 本帖最后由 高山 于 2008-4-5 00:47 编辑 [/i]] [table=98%][tr][td]
（续上）
[color=#0000ff][b]某些当代艺术作品一味迎合少数西方收藏者不健康的审美口味[/b][/color]
近百年来，由于各种原因，东西方的社会经济和文化艺术发展已严重失衡。这导致了西方文化价值体系在一定程度上主导了世界的文化话语权。中国的某些当代艺术作品在有的人眼中，似乎需要得到西方的认可才能名正言顺。面对金钱的诱惑，一些“艺术家”抛开了自己的优秀的文化传统、审美判断和良知，制作了一些充满低级趣味、政治符号和媚俗的丑陋图式，去主动迎合西方少数收藏者对中国社会、政治、文化的不健康的想象,使自己制作的作品中的“丑态”变成了西方人眼中的中国形象，如同“耍猴”般地供少数西方收藏者“观赏”,并以此为荣。虽然人们无法对这些“伪艺术”产生敬仰之情，但是对它身后的市场价格数字可能发出了“惊叹”。这些所谓的当代艺术家在得到了金钱和“荣誉”的同时，或许也满足了部分投机者的需求，却难以使大多数的中国观众产生由衷的艺术共鸣。长此以往，这些由西方文化价值观所“催生”的所谓的当代艺术品主导了中国当代艺术的话语权，那么就会让更多的本土收藏家误入圈套。
[color=#0000ff][b]某些美术学院的学生也参与了“丑态当代艺术作品”的“制作”[/b][/color]
现在有些所谓的当代艺术家，在自己工作室，准确地应该说是“艺术工厂”，组织二、三十名制作人员，疯狂地重复制作和“生产”一些被西方“认可”的所谓当代文化垃圾，完全失去了艺术创作的态度和意义。还有一个值得注意的现象：在我们有的美术院校，一些对社会缺少认知和生活体验的在校学生，也已经被所谓的美术机构或画廊签约，并被包装、策划成所谓的“新锐艺术家”，重复制作这些所谓的丑态当代艺术作品，这是极大的悲哀，是对真正的艺术的亵渎。 郭庆祥
文章来源：《文汇报》
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[[i] 本帖最后由 高山 于 2008-4-5 00:48 编辑 [/i]]
张晓刚《大家庭》
[attach]222029[/attach]张晓刚《父亲和女儿》
[attach]222030[/attach]张晓刚《红色肖像》
[attach]222035[/attach]张晓刚《天安门》
[attach]222036[/attach] 2006“艺术中国·年度影响力”评选活动于1月27日晚在798艺术区仁艺术中心举行盛大颁奖典礼。晚会以强大的专家评委阵容和别出心裁的编排，营造出典雅、隆重的气氛，成为网络年度评选中最丰盛的一道文化盛宴。张晓刚被评为十位年度最具影响力的人物之一。
获奖理由：作品《同志120号》创苏富比春拍中国当代艺术拍卖世界纪录。
张晓刚 个人简历：
张晓刚(1958-)生于昆明，1982年毕业于四川美术学院，现为四川美术学院教师。
张晓刚 个人年表：
1958年 出生于昆明。
1982年 毕业于四川美术学院。现生活工作在北京。
1985年 《新现实主义油画》，上海／南京，中国
1989年 《中国现代艺术展》，中国美术馆，北京
1991年 《九十年代中国美术（油画）双年展》，广州
1993年 《后89中国新艺术大展》，香港艺术中心《九十年代中国美术－中国经验》，成都,中国
1994年 《第22届圣保罗双年展》，圣保罗，巴西
1995年 《第46届威尼斯双年展》，意大利《中国前卫艺术15年》，巴塞罗纳现代博物馆，西班牙《从国家意识形态出走－中国新艺术》，汉堡国际前卫艺术文化中心，德国
1996年 《第二届亚太地区当代美术三年展》，昆士兰美术馆，澳大利亚《现实：今天与明天－96中国当代艺术》，北京国际艺苑《首届当代艺术学术邀请展》，北京中国美术馆，香港艺术中心
1997年 《“拱”之门大展》，西班牙《中国油画肖像艺术一百年》，北京中国美术馆《中国新艺术》，里斯本美术馆，葡萄牙《血缘：大家庭1997》，中央美院画廊，北京
1998年 《中国新艺术》，赫尔辛基美术馆，芬兰《马格利特与当代艺术》，多斯登德当代美术馆，比利时
1999年 《同志》，法兰西画廊，巴黎《面孔－国际当代艺术展》，纳姆尔艺术中心，比利时
2000年 《“世纪之门”－中国艺术邀请展》，成都现代艺术馆，中国《“人＋间”，第三届光州国际当代艺术双年展》，韩国
张晓刚 卡夫卡式的艺术家
作者：蒯乐昊 来源 ：《南方人物周刊》从去年开始，张晓刚的画在拍卖会上屡创新高，他的名字很快飚进了全球当代最著名的画家之列，并创下了活着的亚洲画家的拍卖最高纪录。
位于北京城郊的酒厂艺术园，在烈日下燥热而安静。酿造二锅头的废弃厂房，改造成艺术仓库，已经不再飘散酒香，但还常常有人，不厌其烦，大老远驱车前来，去敲那一扇扇紧关着的门。下午起来，穿着汗衫大裤衩的张晓刚，应声出来开门——门外站着六七条人，分属于日本、法国以及中国本土的3家不同媒体记者，礼貌而固执地，要求采访。
这还不是他的最高纪录，最多时，他的工作室里，同时接待过5拨记者。这个少年时害羞、沉默、轻度自闭的画家，现在可以流水作业般，从容应付那些内容相仿的提问。
如果没有这一拨人，这个下午，他本来是要画画的。他常常拿着画笔，走到自己的画前，画几笔，再退开去远看，再走近，画几笔。他测算过，在画板前来回踱步，加起来，每天都有若干公里。
画室的四面，竖着他新画的作品，随着工作室越来越大，他的画也越画越大了，整整一面墙的尺寸，画了5个一字排开的小孩子，他们分别穿着工农商学兵的服饰，满脸成人般的井然、严肃的世故表情，但是一丝不苟的衣冠之下，袒露着他们粉红的、童稚的生殖器。
从去年开始，张晓刚的画在拍卖会上屡创新高，《大家庭》系列中的一幅在苏富比拍到了78万美元，很快，这个纪录又被打破，他的《天安门》，在经过一番激烈竞投之后，被一位神秘买家以1800万港元的价格拍得，而这幅画从他手中被买走时，价格只不过是1000多美金。他的名字很快飚进了全球当代最著名的画家之列，并创下了活着的亚洲画家的拍卖最高纪录。“我的画卖100美元的时候，心里是实实在在的踏实，卖到100万美元的时候，反而感觉很虚幻。这个市场疯掉了。”
[b] 与名画家同班[/b]
张晓刚4岁开始握住画笔，在机关工作的母亲无暇顾及家中的孩子，怕孩子们出去野，便教几兄弟画画打发时间，最后只有老三张晓刚坚持下来。“小时候害羞，基本上不怎么跟人来往，一个人呆在家，看书，画画，慢慢变成了一种习惯，一种精神寄托，同时，也是一个出口。通过画画，你可以和你创作的人物交流，就不用跟外面的人交流了。”
16岁那年，父亲带他去看望一个画家，张晓刚看着他家中满墙的画，觉得他一定是大师。
正是这位启蒙老师，把欧洲的绘画技法和理念灌输给了张晓刚。“我完全控制不了自己学画的欲望，每天都跑到那位画家家里去学画画，进步飞快。父母都认为我疯掉了。”开学交学费，张晓刚悄悄把书费扣下来，拿去买纸笔，买颜料。这件事情，父亲到现在都不知道。实际上，直到张晓刚的作品在国际上卖出天价之前，很多年，他父母都不知道他在北京干什么。
在张晓刚的印象里，从小到大，他几乎就没有从父母老师那儿得到过表扬，那个教画画的老师虽然认为他是自己最得意的门生，但是也从不说一句赞扬的话。这种艺术上的自卑，在张晓刚考入四川美院以后，被放到了最大。
在云南当了两年知青的张晓刚，是“文革”后恢复高考的第一批大学生。那一年，四川美术学院在云南只有两个招生名额，一个是油画，一个是版画，张晓刚就成了那年云南省惟一一个被四川美院油画系录取的大学生。
“别人跟我说我的人事关系被四川拿走时，我说：‘不可能，我这么差。是不是招生的人弄错了？’”
张晓刚所在的班级，是当时全国美术界的明星班，何多苓、程丛林、罗中立、高小华等，都是他当时的同班同学。初进校时，跑到同学宿舍一看，他就傻眼了，他们画得太好了！“比我临摹的范本都好得多，简直跟国外的画册一样，像何多苓的画，我觉得跟谢洛夫没有什么区别。”他后来坦承，当时的同学里，何多苓、程丛林对他影响最大。
[b]太平间楼上[/b]
他们班的同学很快就创作了一批伤痕题材的作品：程丛林的《1968年×月×日雪》、高小华的《为什么》、何多苓的《春风已经苏醒》、罗中立的《父亲》都在全国引起了极大的轰动。伤痕绘画的风格和语言主要是学习俄罗斯巡回画派，这与张晓刚从启蒙老师那里学习的欧洲绘画模式有着很大的不同，也与他的天性相左，他试图纠正和模仿，但始终觉得别扭。一年级结束的时候，他写信给哥哥，说：整整一年都没有进步，我想退学。
他想了一个星期，还是觉得太喜欢画画了，不能放弃。
大学二年级的时候，学校图书馆买入了一些西方现代艺术的画册，张晓刚对这些新书特感兴趣，每天放学都用一个小本临摹印象派作品，开始学习西方现代艺术。再后来，他接触到星星画展的领头人马德升、王克平，当时还看不懂的表现主义和超现实主义把张晓刚弄得很兴奋，他发现除了苏联式的绘画语言之外，原来大有另外的道路可以走。
临毕业创作时，他去四川阿坝藏族地区体验生活，回来后画了一批藏族题材的创作稿。当时毕业创作需要经学校审稿批准，通过以后，才发给画布、画框和颜料。结果张晓刚的草稿没通过，学校认为，他的风格太粗野。没有材料，张晓刚最后把画画在了牛皮纸上，在川美成了一个众所周知的事件。
不久，时任《美术》杂志编辑的栗宪庭来四川组稿、找新人。开会时，栗宪庭说了句，“除了别人的，张晓刚的这批也不错。”就因为老栗这句话，学校通过了张晓刚的毕业创作。直到现在，张晓刚还很感激当年的这位伯乐——当期的《美术》发表了罗中立和张晓刚的作品，评价张晓刚有“近乎凡高的情绪”。这在很大程度上鼓舞了他的艺术自信。
毕业离开校园，张晓刚回到老家云南昆明，与毛旭辉、潘德海、叶永青来往密切，“85新潮美术运动”兴起后，他们成立了“西南艺术研究群体”，成为“新潮美术”的创作骨干，主张在理性主义之外寻找神秘而原始的生命诉求。
张晓刚在地方歌舞团做过几年舞美，“白天看很艳俗的东西，晚上画一些恐怖的魔鬼”。后来又转到四川美院任教，“四川美院盛行的是乡土艺术，只有我和叶永青两个人喜欢现代艺术，学校对我们的作品不感兴趣，校领导还劝年轻教师不要跟我们来往。”
有几年他几乎是泡在了酒桶里，“每个星期大醉一场，小醉两场。82年，83年，两年的时间，一直过那样的生活。”喝得胃出血，被送到医院，住了两个月，他病房的楼下，是太平间。
这也许是他第一次触摸到死亡。他要求医生让他看看人死的时候是什么样子，医生同意了。
这段经历，后来被许多媒体渲染成了他青年时代的一次濒死体验，“生死关头是一个体验，不是说我的身体到了要死掉的程度，只是又年轻，又有幻想，读的书又比较多，受的毒害比较深，加上身体不好，想的问题就比较大，比如死亡，比如宗教。”那段时间，他陆续画了一批阴暗、晦涩的作品：肢解的手，残缺的躯体，疑似人脑或羊肠的不明物体软塌塌地堆成一团，而上帝的头颅漂在水面上……
“出院以后我在门上贴了一张字条，‘养病期间，概不会客’。我开始画一些跟死亡有关的题材，精神上又孤独又骄傲，觉得自己想要表达的东西和周围已经有了距离，没办法跟别人沟通。我们那帮人基本上都是过这种分裂的生活，是一帮让人头疼的愤怒青年。”
[b]血缘牢不可破，家庭不堪一击[/b]
1993年秋，张晓刚从北京回到昆明老家，重新思考他在绘画风格上应该作出的改变。他发现了一套家藏的老照片，大时代背景下的小家庭，是不是可以作为一系列以“文革”为背景的创作素材？
在逐渐摸索中他找到了一条自己的路，那一瞬间，他感觉到，“要出东西了”，似乎是某种更为强大的意志抓住他作为一件表达的工具。为了达到想要的效果，他花了两年时间专门研究技法，把背景降到最低，把色彩降到最低，把一切学院教给他的东西降到最低。
他发现他是给自己找了个苦差使——按照他的画法，每一幅画他都必须画三到四遍以上，一层干了，画另一层。“我是一个追求原作感的画家，我一定要让人看了我的原作，觉得看印刷品不过瘾。”
张晓刚似乎永远也画不出阳光明媚的画来，他甚至不会画微笑的人，只画过一对微笑着的情人，但画这幅画的过程让他无比别扭。他的性格决定了他的艺术作品永远是阴性和忧郁的。后来的《血缘 大家庭》系列、《同志》以及《记忆与失忆》等系列，无一不是阴性气质贯穿始终。那些似乎是斑驳老照片中的人物，拥有被时代整齐划一了的外型、衣着和表情，那些单眼皮的眼睛，眼仁微微凸起，冷漠而警觉，神态游移。
“我就像家里的一个多余的人，他们根本不需要我。下乡的时候，临走前，我爸给我哥10元，只给我5元，哥哥分一些钱给我，我爸还跟他说：‘别给他，他又会乱花。’我每次从乡下回家，一定要背一袋米回来，快吃完的时候，我爸就会跟我说：‘米吃完了，你该走了。’如果我不带口粮回去，他会说：‘我们怎么养得起你？’所以，我从小就没有家的感觉，下乡让我精神愉快，我觉得我自由了，能够靠劳动挣钱养活自己，离家越远越好。”
曾经有一个法国人对张晓刚说，感觉他是一个“卡夫卡式的艺术家”，张晓刚问他为什么，法国人掰着手指给出了几点理由：比较关注私密性；向内，相对地封闭自己；关注的都是个人的感觉，而且是不太正常的感觉；都有幻想的成分；都是日记式的表述方式，写什么都是我我我，而不是他他他。“我觉得他说得很有道理，而且我也很喜欢卡夫卡。”
1999年与唐蕾离婚后，他拎了个包从成都来到北京，41岁换个城市重新租房过单身汉的生活。上午睡觉，下午画画，晚上跟朋友们碰面、喝酒。之后的8年里，他搬了好几次家，还是没找到扎根北京的感觉，他说：我是一条野狗。
一次在重庆，他跟方力均、王广义一起办讲座，学生问他，对血缘和家庭怎么看，他脱口而出：血缘牢不可破，家庭不堪一击。
是的，掌握了血缘与家庭，就掌握了张晓刚的主线。他的画里永远都有父母隐约浮现的面孔，他的工作室里贴着女儿欢欢从小到大的照片，她是他刚开始画婴儿的模特，只是她自己不知道。女儿13岁出画册《家有小狗》，他欢喜地为她写序言，并暗自得意孩子继承了他的禀赋。他办公桌上的烟缸，是一只张开的大手，每个手指头上都刻着不同表情的人脸。女儿小的时候，他常把自己的手指头画上哭笑各异的人脸，他的大手就成了女儿的玩具。
“女儿有心，她还记得。”女儿大了，看见这样的烟缸，忆起儿时的游戏，就买下来，送给他。
张晓刚作品的“血缘”图谱
[table=95%][tr][td] 十几年前就被西方话语权掌握者选择、并以成熟的策展及艺术批评等体系运作的“中国概念”代表张晓刚，其作品的市场价格已从2000年的每平方尺9167元上升到目前的近63万元，8年增长了超过65倍。由于与实力雄厚的国际大型画廊合作，且买家结构相对分散、质量较高，其作品价格仍然稳定坚挺。 王从卉/文十月是艺术品交易的黄金季节，伦敦，这个世界艺术品的交易中心，也因艺术而变得更加生机盎然。摄政公园（Regent Park）内，一年一度、新锐而品牌强势的Frieze艺术博览会汇聚了全球最前卫的画廊和艺术家，也像磁铁一样吸引了世界各地的买家和收藏家；城市的另一端，“Affordable Art Fair”（买得起的艺术交易会）也如火如荼地展开。无论坐落于上流社区梅菲尔（Mayfair）的顶级画廊，还是泰晤士河畔东区的新锐画廊，都在夜晚举办别致的展览开幕酒会，以吸引买家挑剔的目光。奢华的新邦德街（New Bond Street）上，老牌拍卖行苏富比（Sotheby's）、佳士得（Christie's）、宝龙（Bonham）夜晚也是灯火辉煌，当代艺术拍卖夜场俨然已成为镁光灯下艺术与金钱的名利秀场。
艺术媒体也进入亢奋状态。全球范围内，关于艺术品收藏及投资、艺术市场的报道几乎天天都能占据报纸的醒目版面。英国权威艺术杂志《Art Review》本季则高调公布了全球艺术百强排行榜，数尽当代艺术界100名最有影响力的人物和组织。值得关注的是，有两位中国人登上该榜：一位是当代艺术家艾未未，排名第68位；另一位就是近年在国际当代艺术市场炙手可热的艺术家张晓刚，排名第86位。
[b]政治波普标签下的内心独白
[/b] 在关于张晓刚及其作品的评论中，总有三个概念反复出现：政治性，历史性以及个人性。
政治性：面对张晓刚作品中灰色惨淡的老照片似的人物，那孤悚的凝望，看似平静下不安的眼神，经历过文革时代的人往往会沉默。浙江大学教授黄河清曾经将张晓刚的作品和前苏联的艺术品进行横向比较，认为张晓刚的《血缘系列》参照了前苏联摄影家米海伊洛夫的作品。米海伊洛夫是西方当代艺术市场上的明星，他的《农庄社员》系列摄影中有一幅黑白集体照，其中有一条红线曲折贯穿在几个社员胸前。“张晓刚把米氏作品中反讽苏联的政治波普的内容和德国当红画家里希特带有摄影特征的绘画技法嫁接在一起，非常取巧，所以他成功了。他把中国那个年代的人画成呆滞眼光、不男不女的中性特征，不是一种张扬的政治波普，我称它为‘温和的政治波普’。因为政治波普在国际当代艺术市场是热门货，张晓刚能把‘温和的政治波普’与一种还带有绘画性的表现结合起来，他的作品在国际上卖得好价钱不令人奇怪。”正如黄河清的分析，政治性成为张晓刚作品中最强烈的符号，也被认为是张晓刚在仍以西方话语权为主导的当代艺术市场上广受推崇的重要原因。
历史性：因为文革是西方人士眼中近代中国历史上的特殊存在，也因为张晓刚用了看似平面、冷漠实则近乎残忍的表现手段重提那段历史，有学者将历史性作为张晓刚创作中最重要的成就。如四川美院教授王林认为，张晓刚的画像鲁迅的文章一样，一直在抵抗大众文化对于中国历史灾难的遗忘。
个人性：张晓刚典型的上世纪90年代作品，与其家庭的特殊经历有关。他的母亲患过精神疾病，其家庭合影有一种拘谨、直视、特别神经质的氛围，完全不同于一般的所谓合家欢。这种精神氛围在张晓刚画作中显而易见，也是最能抓住人的视觉注意并直逼人心的。“我总觉得，艺术首先应当是个人的，然后才是公共的。对我而言，艺术首先是体验式的。”张晓刚在自述中说，“我总是习惯于‘有距离地’去观察和体验我们所处的现实，以及我们所拥有的沉重的历史，我常常下意识地要站在事物的背面去体验某种隐藏于事物表层之下的那些东西，那些被人称之为‘隐秘’的东西?”因此，他曾经被一些媒体形容成“卡夫卡式的艺术家”或“心灵冥想式艺术家”。
由此可见，张晓刚的作品无论在多大程度上被打上“政治或历史”的标签，其作品本身仍具有很强的个人性和内心化特征，而他一直是位充满内心独白和精神冥想的艺术家。
[b]转折性的德国之旅
[/b] 尽管幸运地成了当今市场的宠儿，然而和许多艺术家一样，张晓刚经历了漫长的艺术探索，而且这种艰难并没有因为市场的热卖而消失。纵观张晓刚的创作历程，从上世纪80年代至今基本可以划分为几个阶段：上世纪90年代前早期、迷茫摇摆期、转折期和成熟期。
出生于昆明的张晓刚，早年是西南地区新潮美术的代表人物，他曾参与组织过新具象画展，是“生命流”绘画的倡导和实践者。1992年，活跃的张晓刚进入痛苦的自省和探索状态，几乎停止了创作。这一年，他踏上了德国之旅。在当代艺术活跃的德国，张晓刚在博物馆、画廊和艺术家工作室，在他仰慕的德国当代艺术家格哈德·里希特（Gerhard Richter）的作品前，开放式地接受与思考。1993年以前，他一直在几种不同风格之间变换，寻找个人的语言。很偶然地，他被旧照片所触动，带着1992年德国之旅后关注真正中国的主题并寻找独特的表达语言的敏感性，张开始创作“全家福”系列。
1992-1994年是张晓刚的转折期，经过两年多的调整，他最终形成了区别于其他艺术家的独特面貌。“全家福”系列作品，以单调的色调、矫饰的光影来描绘那些面目雷同、神情拘谨但又摆出明显被摄姿态的人物，而毫无来由的色块与红线，既像是老照片上的疵点，却也无形中增添了超现实的气氛，使其作品成为鲜明、创新的“中国题材”。1994年，走出迷茫摇摆的张晓刚，风格渐渐清晰并走向成熟。
[b]“百万宝贝”的诞生
[/b] 1994年后的张晓刚，由于准确的自我定位、自我调整，并形成了个性化的艺术语言，已经具备了走向国际的资质。然而，其作品能够实现巨大的市场价值，起关键性作用的仍是强大的幕后推手和高明的整体运作。
如果要追溯张晓刚被打造为中国首个当代艺术“百万宝贝”、改写中国当代艺术品拍卖历史的转折性时刻，还要回到1992年的一次重要会面。
1992年，张晓刚在转型和调整的时期，著名收藏家、艺术经纪人兼成功画商—香港汉雅轩老板张颂仁（Johnson Chang）来到四川，找到了当时在四川美院执教的张晓刚。后者的命运从此改变。张颂仁买下了张晓刚工作室里当时所有的20多幅作品，并成为他的代理商。随之，一系列走向国际的亮相全面展开了（表1）。
[align=center][img=327,340]http://www.p5w.net/newfortune/ysp/200801/W020080118387387657114.gif[/img][/align]
至1997年，张晓刚在国际上基本确定了中国当代艺术领域最受瞩目的新人的地位，为其作品今后的市场表现打下了良好的国际舆论和学术基础。此后，他仍活跃在国内外展台上。1993-2006年，包括个展和群展在内，其参加的展览数量近百，且遍布世界。其展览数量之多、国际性之强，是同期推广的中国艺术家中少见的，因此，他在诸多国际性媒体上的曝光率也首屈一指。
然而，除了1994和1998年有两幅作品在中国嘉德上拍外，张晓刚的作品长期没有和二级市场发生任何关系。直至2004年，随着国际市场上安迪·沃霍、戴敏·赫斯（Demin Hurst）等艺术家的作品价格创出新高，中国当代艺术品市场亦进入了快速上升期。张晓刚上拍作品的数量从2003、2004年的1-4幅，急速上升到2005和2006年的每年50多幅（图1），市场爆发之势可见一斑。
[align=center][img=253,213]http://www.p5w.net/newfortune/ysp/200801/W020080118387387653741.gif[/img][/align]
从价格看，2005和2006年亦是井喷时期。2005年，他的“血缘”系列以97.72万美元成交，造就首个中国当代艺术“百万宝贝”。2006年，张晓刚超过50万美元的单幅作品数量就达到16幅之多，直到2006年11月，在香港佳士得拍卖的“1993年作《天安门》”达到234万美元的高价。
2007年，在对泡沫忧虑重重的背景下，市场火爆依旧。尽管在上个月伦敦苏富比的当代艺术品夜场拍卖中，岳敏君作品以290万英镑的全场最高价刷新了张晓刚作品保持的纪录，但张晓刚的作品价格依然稳定坚挺。2000年以来，其作品每平方尺的价格已从9167元上升到了目前的近63万元，8年增长超过65倍（表2）。
[align=center][img=245,544]http://www.p5w.net/newfortune/ysp/200801/W020080118387387656128.gif[/img][/align] [b]作品供给掌控较好，
未来价格可望保持稳定
[/b] 对于中国当代艺术品市场的未来走向，当然不乏看好者，而泡沫崩盘论也不绝于耳，伦敦苏富比艺术学院的中国当代艺术市场专家伊恩·罗伯森（Iain Robertson）就认为：“目前中国当代艺术品价格急涨是短期投机的结果，大量的艺术品掌握在极少数西方观念制造者手中，一旦这些藏家开始倾销早期库存，其高价近期就会遭遇崩盘而下滑。”
这一分析固然有合理的方面，但是如此强硬的结论未免有失偏颇。首先，短期内，艺术品市场“中国概念股”普遍看好的大环境没有迅速改变的可能。笔者10月在伦敦当代艺术拍卖夜场后对中国艺术品买家的随机采访显示，国际买家对于中国作品的兴趣刚刚开始，目前正从早期尝试的有限人群发展到更广阔的收藏群体中。许多收藏家都表示应该早点进入，但即使现在出手仍不算晚。其次，许多买家表示，现在市场上认可的几个中国艺术家的作品是一画难求，可见在供给上有着较好的掌控。
其次，具体到某个艺术家作品的市场前景是否光明，就不得不深入研究其个性、创作走向，回顾总结其学术及市场积累，仔细分析隐藏在他身后的合作经纪人及收藏家结构。
从张晓刚来看，通过和张颂仁的合作，他已建立了良好的国际学术背景和声誉。纵观在不同时期与张晓刚合作的画廊，包括香港汉雅轩、少励画廊（Gallery Schoeni）、美国旧金山LIMN画廊、法国巴黎法兰西画廊、法国巴黎EnricoNavarra画廊、法国巴黎EnricoNavarra画廊、韩国汉城Artside画廊、紫禁轩画廊、程昕东国际当代艺术空间、韩国阿拉里奥北京艺术空间，基本都是具有国际经验和声誉的实力派。目前，张晓刚的合作伙伴为实力雄厚的纽约Max Protetch画廊。这类画廊具有长期、合理地把握供给控制的技巧，可以基本保证其作品市场操作的规范性，出现大规模抛售行为的可能很小。
从买家结构看，张晓刚的大量作品掌握在最主要的早期中国当代艺术藏家乌里·西克及尤伦斯夫妇手中，但除此之外，仍有比较好的国际性分布，如英国著名画商、画家戴敏·赫斯（Demin Hurst）的幕后推手萨奇（Charles Saatchi）及美国著名电影导演奥立弗·斯通（Oliver Stone）都是他的支持者，古根海姆博物馆等机构也藏有其作品。从苏富比的记录看，亚洲买家的比重也在不断增加。相对分散的高质量买家结构，对稳定张晓刚作品的未来价格、减少短期投机行为将起到决定性的作用。
最后，艺术家的个性和人格精神，某种程度上决定其创作能力的持久性。张晓刚对待艺术创作的态度非常严肃和纯粹，他的作品更强调个人化和家族情感化。在创作方式上，张晓刚并没有像岳敏君等人那样，主动吸收当代艺术 “品牌复制”的生产策略，因此，他很少会通过包括复制、版画等方式的创作使得作品数量巨增。
作为第一代和国际市场产生化学反应的中国当代艺术家，张晓刚无疑是幸运的。和岳敏君、王广义、方力钧等“后89”艺术家相似，他们都是十几年前就被西方意识形态选择的中国代表，并属于用成熟的策展、艺术批评等在内的西方话语权体系整体运作的产物。对此，张晓刚认为：“不管所谓的‘国际中心’出自何种动机，选择了一部分中国当代艺术，但毕竟给我们提供了前所未有的机会和经验。不管我们是否情愿，中国已被甩到国际大舞台上去了。如果我们能够以健康的心态和真诚的高水平作品去积极地参与，我想这将起到一种推动历史的作用。”
在极度火热的市场里，张晓刚已开始探索未来的创作：“上世纪90年代，我画上世纪六七十年代的体验；2000年以后，我开始画上世纪80年代的体验；可能再过十年，我会开始画上世纪90年代的体验。‘现在’只是我的生活状态，不能进入我的艺术领域。”
[/td][/tr][/table]资料来源：《新财富》
艺术评论家呼吁叫停大脸画 认为这是媚俗
【来源：北京娱乐信报】[attach]222037[/attach]
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张晓刚这幅作品就属于“大脸画”。
汇集罗中立、朝戈等７位当代著名画家作品的油画展于８月２０日至１０月２０日在世纪墙文化艺术中心举行。该中心总策划高明潞表示，当下流行的“大脸画”是一种媚俗，不能代表中国当代艺术。
著名艺术评论家及策展人高明潞认为，近年来，中国当代艺术品的海外收藏热不是偶然的，而是自上世纪８０年代以来，中国当代艺术几十年的发展积累所致，但现在有过热之嫌。
在海外广受欢迎的中国当代艺术家中，很多人都在画一种“大脸画”。
这种绘画源于上世纪９０年代，当前比较受欢迎的画家有王广义、方力钧、岳敏君、张晓刚等人。他们的特点是画那种头大身子小的人物，面部表情或冷漠或狰狞，色彩艳丽，被称为“大脸现实主义画作”。近些年来，随着他们的画作在海外畅销，很多年轻艺术家效仿这种“大脸画”，一时间，“大脸”成了当代艺术的代名词，只要脸大、表情狰狞，就是当代艺术。
高明潞说，这是一个误区。当代艺术应该是多元的，“大脸画”在产生之初，有一定的积极意义，毕竟是一种不错的表现形式，但现在大脸画满街都是，已变成一种媚俗，表达了艺术家的肤浅和贫乏。年轻艺术家不应该再重复媚俗的“大脸画”。
恶搞“当代艺术”凸显艺术评审严重问题
有数据统计，五分之四以上的“中国当代艺术”是被国外极少数收藏者所购买，以至他们成为了拥有大量“中国当代艺术品”的大庄家。海外资本投机者拉动这些东西在短时期内巨额升值，并将他们的价值标准强加给中国人，而国内的资本却不得不只能成为被动跟随的跟风者。然而最后真正获益的却是少数西方投机者。因为其中没有终端的专业藏家参与，所以被恶搞了的“中国当代艺术”根本就没有真正形成国际艺术收藏的板块。某些中国当代油画中的丑态图象表现为：形态丑陋或呆板、色彩媚艳或苍白、趣味怪异或庸俗，以及运用图式化的中国政治符号等形式。他们采用丑化人物、反讽政治的方式来表现中国社会与文化的现象。这些文化垃圾并不能真正表达对当代社会的文化反思，而是一种样式化、片面化、庸俗化的低级文化形态，是一种文化无知和思想浅薄的表现。“丑恶”和“媚俗”已成为中国当代绘画的一种时尚、一种潮流，并假扮成一种前卫的姿态，影响着中国当代绘画的主流艺术审美，以“当代”的名义对艺术进行着恶搞。
值得商榷的市场“审丑”风
早在二十多年前国内的“85美术新潮”时期，西方某些利益集团也已经在中国大陆外围的一些受西方文化影响较深的东南亚和港台地区，花巨资灌输他们的思想价值体系，如同设下了一个文化价值观的圈套。在今天，那些被市场所吹捧的“当代艺术”，无不折射出代表西方价值体系的强大文化攻势已经在中国当代艺术界产生了一定的“战略效应”。
近百年来由于各种原因，东西方的社会经济和文化艺术发展已严重失衡，导致了西方文化价值体系在一定程度上主导了世界的文化话语权。因而中国的当代艺术在某些人眼中，似乎需要得到西方的认可才能名正言顺。面对金钱的诱惑，为了满足西方人披着商业的外衣而隐藏着的、不可告人的文化侵略，一些“艺术家”完全出卖了灵魂，完全抛开了自己的文化良知和人格品德，制作的一些低俗或媚俗的丑态图式以及政治映射的符号，去主动迎合西方社会对中国社会、政治、文化的想象,使自己的“丑态”变成了西方人眼中的中国形象，如同“耍猴”般地供西方人“观赏”,并以此为荣。虽然人们无法对这些“伪艺术”产生敬仰之情，但是对它身后的价格数字可能发出了“惊叹”!他们在得到了金钱和“荣誉”的同时，或许也满足了部分投机者的需求，却难以使大多数的中国观众产生由衷的艺术共鸣。长此以往，西方文化价值体系一旦全盘替代了中国当代艺术的话语权，那么善良的人们就会不知不觉地中了它们的圈套。
警惕“新锐艺术家”的学术缺失
现在有些“当代艺术家”，在自己的工作室，准确地说是生产工厂，组织二、三十名工作人员，疯狂地制作和生产这些被西方“认可”的当代文化垃圾，完全失去了艺术创作的态度和意义;还有在一些美术院校，许多对社会没有有深刻认知、没有生活丰富体验、没有学术独立的在校学生，已经被某些美术机构或画廊签约，并被包装、策划成所谓的“新锐艺术家”，这不是在欺骗艺术爱好者和收藏者吗?这现象本身就是对艺术的亵渎和恶搞。
最近一期的美国《艺术报》中，西方评论家直指中国当代艺术的混乱现状，认为“能被称得上当代艺术的中国绘画仅二成而已”，并指出“中国艺术市场绝非单单的不成熟，艺术评审和艺术教育问题更严重”。种种迹象表明，国内的一些“伪”当代艺术越来越被人们所识破，并被世界主流学术界所质疑。
当代的中国社会经济持续发展，必将带来大国文化的崛起。艺术家、理论家和收藏家应该坚持自身的文化立场和审美主张，坚持站在本土的文化背景和历史的高度上去思考当代艺术的发展方向，坚持以学术独立的角度去考察包括西方文化价值体系在内的当前世界文化和中国文化的现状。
(本文仅代表作者个人观点，不代表本报立场)
郭庆祥 1993年涉足书画收藏，成立玥宝斋，1997年至今负责大连万达集团的企业收藏。去年，郭庆祥针对中国当代艺术的现状撰写了一系列“炮轰”文章，引起了较大争议，并因此入选“2007艺术权利榜100人”。
(本文来源：上海证券报 )
成功画家很乏味
作者：老言 来源 ：东方早报[attach]222040[/attach]
(“傻笑”已经笑了很多年)
在我看来，世间不少人都崇拜成功者。这很正常，因为大家都渴望成功，渴望被人崇拜。为了达到这个目的，所以就要先学会崇拜别人，然后才学着如何去成功。我年轻时社会并不开放，怀有这种心情，全去崇拜革命家了。现在知道，这种倾向，叫粉丝。
在艺术界多年，知道这是个最崇拜成功者的领域。学画时看到成功画家，向往之余，会不自觉地模仿其派头。而成功画家又恰好多少有些表演倾向，在派头上颇为考究，总是与众不同，增加无知粉丝狂迷的同时，甚至会引领潮流。稍做研究知道，画家其实是有某种装束的，水墨画的和油画的不一样，装置的和版画也不一样，成功画家就更加如此。至于是什么装束，画种之间有什么区别，成功和不成功有什么不同，大家可以去归纳，不用我罗唆。
穿着暂且不论，因为是个人习性。说多了读者还以为我提倡相反的东西，要回到过去的时代，一律的草绿色军装加深蓝色长裤。
前阵子参加一个老前卫画家的研讨会，突然发现一个真理，那就是，成功画家很乏味。因为是老前卫，有“八五美术新潮”的光环，所以崇拜的人自然来得多，尤其是学习艺术的年轻学生，更是举目张望，一脸虔诚。
老前卫当年事迹感人，有苦难在其中滋润。想当初，“八五美术新潮”乍起，老前卫尚年轻，果敢行动，舍弃体制，在没有职业画家只有体制画家的年代，义无反顾地走上了职业画家的道路，其中遭遇可想而知。那时正在创业，执迷于价值观的追究，难懂的哲学成了诉说艺术深度最好的语言方式，见面吵架，全为意义而来，为问题而去，彼此思想碰撞，智慧的火花闪烁，有趣的事真的太多，虽然钱少点，甚至有了上顿没下顿，前途也不知如何，但却有一股生气，人生自是多彩。那时谁也无法想象今天的艺术市场，居然这样红火，一张油画，上千万元的价格，顶掉穷人一生的饭钱还要多。
成功了，画价高了，手头宽松了，年龄也大了，渐渐地，不知道该谈什么了，见面打哈哈，是熟人的，谈点往事，不是熟人，有时连理都懒。也没有什么好玩的了，打牌开赌，常来不新，吃喝玩乐，总有尽时。至于当中还有什么独特问题，存在什么伟大意义，撞上什么精彩思想，擦亮什么智慧火花，免谈，因为已经不知如何去谈了。成功画家很乏味，恰恰是因为已经成功了，乏事可谈。
一张脸画上十年，傻笑也有十年，新鲜的不再新鲜，傻笑的也早就不傻，而是凝固，还有什么意思呢?所以也就乏味了。一幅优美人体也画了超过十年，说古典不古典，说不古典也还古典，总是那姿势，S形，略有遮盖或完全不遮盖，暗背景外加发亮皮肤，还有媚眼对着媚眼。看久了，也就乏味了。
梦境同样如此，已经画了十来年，哪怕天天做梦，最终也变得无梦可做，但还得画梦，叠床架屋，颠三倒四，再荒唐也不荒唐，梦早就不成其为梦了，何来真梦?
成功画家聚在一起，彼此内心倒可能会打一个小算盘，那就是下一次拍卖，谁可能拍出多少，如何才能再往高处拍。意气用事的，总有不服：凭什么当年共走江湖，难兄难弟，今天价位就相差那么多?
本来开画展是画廊销售的一环，开研讨会更是例牌的仪式，画家看得懂，与会者也明白。但总得说点什么吧?主持人或策展人总得谈点问题吧?总得挑个什么有趣的话题吧?现场还有未明世事的学生，还有未成功者呀!
难道艺术真的没有问题了吗?说出来谁都不相信：当代中国艺术，除了价格，真的没有什么问题了。
至少，谈问题显得“很傻很天真”，尤其是在成功画家圈子里。果然，研讨会上，有人真谈问题了，叫“当代艺术资本化”，叫“艺术家是否应该有文人情怀”，叫“社会批判意识”。成功画家会会眼神，就知道彼此心里只有两个字：傻子!
[[i] 本帖最后由 高山 于 2008-4-5 01:08 编辑 [/i]]
岳敏君作品
[attach]222041[/attach]岳敏君《任务》
[attach]222042[/attach]岳敏君简介
[attach]222043[/attach]岳敏君 的个人简历： 1985年 就读于河北师范大学美术系
1962年 生于黑龙江省,大庆市
2004年
《龙族之梦：中国当代艺术展》爱尔兰现代美术馆 都柏林 爱尔兰
《第五届上海双年展2004：影像生存》中国
《第五届光州双年展2004：一尘一滴》韩国
《沙丘雕塑》恩里科.纳瓦拉画廊 法国
《汉雅轩20年庆联展》香港艺术中心
《身体·中国》马赛当代艺术博物馆 法国
2003年
《来自中国的艺术》艾德文画廊&印尼国家美术馆 雅加达 印尼
《世界的剩余部分》纽夫公园 珀玛森斯 德国
《新的艺术展厅曼海姆》曼海姆艺术展厅 德国
《印尼2003开放双年展》印尼国家美术馆 雅加达 印尼
《人与人：广东美术馆中国现当代美术藏品专题展（当代部分）》广东美术馆广州 中国
《生存的向度：广东美术馆藏中国当代艺术选展》广东美术馆 广州 中国
2002年
《中国现代美术展：红色大陆，中华》光州市立美术馆 韩国
《中韩当代艺术绘画展：2002新表情》汉城文化艺术中心 韩国
《中国当代艺术》雷克亚末克艺术博物馆 冰岛
《时间的一个点：在长沙》美仑美术馆 长沙 中国
《首届广州当代艺术三年展》广东美术馆 中国
《澳海艺术中心开幕展：当代兵马俑》澳海艺术中心 新加坡
《金色的收获-中国当代艺术展》克罗地亚国家美术馆 克罗地亚
2001年
《装饰与抽象》贝耶勒基金会博物馆 瑞士
《煲-中国现代艺术大展》奥斯陆艺术家中心 挪威
《新形象-中国当代绘画艺术二十年》中国美术馆 上海美术馆 广东省美术馆四川省美术馆 中国
《宋庄：巡回艺术展》布莱梅市本泰门市立美术馆&路德维思港城市画廊 德国
2000年
《。。。之间。。。》成都上河美术馆 昆明上河会馆 中国
《当代中国肖像》法朗索瓦.密特朗文化中心 法国
《我们的朋友》包豪斯大学美术馆 魏玛 德国
1999年
《开放的边界》48届威尼斯双年展 威尼斯 意大利
《透明不透明？----十四位中国当代艺术家欧洲巡回展》法国 意大利
《99开启通道：东宇美术馆首届收藏展》东宇美术馆 沈阳 中国
《新千年的新现代主义：当代亚洲艺术洛根收藏展》利恩画廊 圣弗朗西斯科美国
1998年
《光辉之旅：中国当代艺术》伦敦 英国
《上河美术馆收藏展》何香凝美术馆 深圳 中国
《是我！-九十年代艺术发展的一个侧面》紫禁城&太庙 北京 中国
《“预言北京”：中国当代艺术报道》北京 中国
1997年
《“引号”：中国当代油画展》新加坡美术馆 新加坡
《中国现在！》东京 日本；巴塞尔 瑞士
1996年
《中国！》波恩艺术博物馆 德国；奥地利
《Swatch多国籍文化预展》参与瑞士Swatch艺术家系列的设计
1995年
《中国视觉：中国当代油画展》 大西洋城市俱乐部 曼谷 泰国
《中国当代油画展：从现实主义到后现代主义》特奥莱梅美术馆 布鲁塞尔 比利时
1994年
《竹帘后的脸-岳敏君 杨少斌画展》少励画廊 香港
1992年
《圆明园画家作品展》圆明园 北京 中国
1991年
《新时期现代绘画展》北京友谊宾馆 北京 中国
1987年
《S造型艺术展》河北省展览馆 石家庄 中国
[个人展览]
2004
《岳敏君：雕塑及油画作品展》少励画廊 香港
2003年
《岳敏君作品展》麦勒画廊 瑞士
《岳敏君：北京之反讽》Pruss & Ochs画廊 柏林 德国
2002年
《沐浴在傻笑中》斯民艺苑 新加坡
《岳敏君作品展-处理》世方艺术中心 中国
2000年
《红色的海洋-岳敏君作品展》伦敦中国当代艺术画廊 英国
